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La construction du Temple par Walter Crane

8000 €


La construction du temple par Walter Crane, dessin à l'encre, plume et pinceau sur papier. Une restauration d'une déchirure sur la partie supérieure de la feuille. Walter Crane est un artiste majeur de la seconde moitié du XIXème siècle et l'un des principaux acteurs du mouvement Arts & Crafts. Son oeuvre est hétéroclite et embrasse l'illustration, le papier peint, la peinture, la céramique et la tapisserie. Il laisse un oeuvre emblématique et reconnaissable, animé par un idéal de justice sociale et de beauté. L'oeuvre que nous présentons représente Hiram, l'architecte mythique du Temple de Salomon, en train de superviser la construction du Temple. Si l'appartenance à la franc-maçonnerie de Walter Crane n'est pas attestée, le sujet est celui de la Légende d'Hiram et emprunte beaucoup au vocabulaire maçonnique : Les trois ouvriers représentent les trois grades d'initiation (apprenti, ouvrier et maître).  Derrière, les trois visages narquois sont ceux des ouvriers criminels, impatients de connaitre le secret du maitre, qui le frapperont jusqu'à la mort, ce dernier refusant de le délivrer. Dimensions du cadre : 72x63cm   for sale in Dessin et Arts graphiques | Art Revival

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15, rue du Fort ,
1060 Bruxelles
Region: Brussel
Country: Belgium
Tel.: +32 (0)4 56 24 15 43
E-mail: artrevivalsarl@gmail.com
Website: www.artrevival.eu
La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure, techniques mixtes sur papier, signé de Feure en bas à droite.

 

Georges de Feure (1868–1943), né Georges Joseph van Sluÿters, compte parmi les créateurs les plus raffinés de l’Art nouveau français. Peintre, décorateur, affichiste et concepteur de mobilier, il accède à une notoriété internationale grâce à sa participation au Pavillon de l’Art Nouveau de Siegfried Bing lors de l’Exposition universelle de 1900. Son œuvre, profondément marquée par le symbolisme, se distingue par une poésie subtile, des atmosphères vaporeuses et une sensibilité décorative unique.

La présente aquarelle, figurant une clairière traversée d’une lumière diaphane, illustre parfaitement cette recherche d’atmosphères oniriques. Par le jeu délicat des lavis, les transparences superposées et les harmonies de verts et de bleus, de Feure crée un paysage presque immatériel, où la nature semble s’éveiller en silence. Plus qu’un simple motif naturaliste, cette clairière s’inscrit dans l’univers symboliste de l’artiste : un espace suspendu, enveloppé de mystère et propice à la rêverie.

Dimensions du cadre : 47x48 cm

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Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase en verre soufflé et gravé d’après un modèle de Jules Habert-Dys, réalisé dans les ateliers de la verrerie de Pantin. La forme ovoïde, surmontée d’un col élancé, est mise en valeur par un délicat dégradé allant du gris bleuté satiné au brun chaud.

Le décor, obtenu par dégagement à l’acide et taille dans le verre, présente une frise d’étoiles à huit branches sous le col, suivie d’une succession de motifs texturés et légèrement en relief..

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Vase aux chardons par Jules Habert-Dys

Vase aux chardons par Jules Habert-Dys

Jules Habert-Dys, né à Fresnes (Loir-et-Cher) en 1850, commence sa carrière par un apprentissage chez un peintre en bâtiment avant d’intégrer l’atelier du céramiste Ulysse Besnard. Installé ensuite à Paris, il suit l’enseignement de l’École des Beaux-Arts, dans l’atelier du peintre Jean-Léon Gérôme. Il travaille par la suite pour la manufacture de porcelaine de Charles Haviland, où il rencontre Félix Bracquemond, figure essentielle du renouveau des arts décoratifs.

Artiste d’une rare polyvalence — peintre, graveur, décorateur — Habert-Dys se distingue par un style naturaliste très personnel. Il conçoit des créations dans de nombreux domaines : céramique, émail, verre, mobilier ou encore orfèvrerie. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons le coffret à bijoux conservé au Musée d’Orsay, remarquable par la combinaison d’émail, d’orfèvrerie et d’ébénisterie.

Le vase que nous présentons offre un subtil dégradé du gris bleuté au niveau du col vers un brun chaud à la base. Le décor, obtenu par dégagement à l’acide et taille dans le verre, représente des chardons — un motif emblématique du mouvement Art nouveau, dont Habert-Dys fut l’un des grands dessinateurs.

Ce vase illustre parfaitement la recherche d’un art décoratif total et accessible, sublimé par le talent d’un artiste virtuose entièrement dédié à la beauté de la nature.

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Plat par Fernand Thesmar

Plat par Fernand Thesmar

Fernand Thesmar (1843-1912) se forme au dessin industriel à Mulhouse puis gagne Paris où il dessine des cartons de tapisserie, travaille dans l'atelier de Ferdinand Barbedienne. Il expose aux Salons des objets émaillés qui vont connaitre de grand succès, surtout à l'Exposition Universelle de Vienne de 1873. Il quitte l'atelier de Barbedienne pour travailler à son compte et collabore à partir de 1891 à la Manufacture de Sèvres.
La consécration est atteinte en 1895 en recevant la Croix de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'Exposition Universelle de 1900 où il expose dans la vitrine de la Manufacture de Sèvres et la sienne.

Le plat que nous présentons illustre une hirondelle en plein vol sur fond d’or, au-dessus d’une mer émaillée aux nuances turquoise et bleu profond. La composition, d’une grande finesse graphique, témoigne de la maîtrise absolue de Thesmar dans l’art de l’émail translucide et dans l’utilisation de couleurs vibrantes.

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Vase aux oiseaux par Fenriette Marty

Vase aux oiseaux par Fenriette Marty

Henriette Marty est la fille d’Alexandre Marty, émailleur ayant travaillé au sein de l’atelier de Camille Fauré. Ensemble, ils participèrent activement au renouveau de l’émail de Limoges dans les années 1920–1930, leurs créations étant exportées dans le monde entier.

Le vase présenté est décoré de trois oiseaux stylisés évoluant sur un ensemble de motifs ondulés caractéristiques de l’Art Déco. Les couleurs, vibrantes et profondément saturées, mettent parfaitement en valeur la composition.

Une pièce élégante, représentative du savoir-faire des Marty et d’un décor peu courant dans leur production.

 

 

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Météores par Yves Brayer

Météores par Yves Brayer

Météores, gouache sur papier par Yves Brayer, signé en bas à droite.

Yves Brayer (1907–1990) découvre très jeune les paysages méditerranéens, dont la lumière marquera profondément son œuvre. Grand voyageur, il parcourt tout au long de sa carrière l’Italie, l’Espagne, la Grèce ou encore le Mexique, d’où il rapporte de nombreux dessins et gouaches réalisés sur le vif.
Formé aux académies de Montparnasse et de la Grande Chaumière, il s’impose rapidement dans la vie artistique parisienne de l’entre-deux-guerres. Lauréat du Prix de Rome, il séjourne à la Villa Médicis et développe parallèlement la gravure, la lithographie et l’illustration d’ouvrages littéraires.

La gouache représente les Météores, ces monastères grecs perchés sur des falaises. Yves Brayer fut certainement fasciné par ces chefs d'oeuvres architecturaux et il a laissé plusieurs oeuvres en rapport. La sensation de hauteur et de vertige est particulièrement bien rendue et souligne le génie de l'artiste dans la restitution des lumières et des paysages.

 

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Vase Minton Secessionist

Vase Minton Secessionist

Vase Minton Secessionist.
Ce vase appartient à la série dite Secessionist, créée au début du XXᵉ siècle par la manufacture Minton. L’arrivée de Leon Solon dans l’entreprise à la fin des années 1890, puis sa collaboration avec John Wadsworth, apporte un renouveau décisif au vocabulaire esthétique de la firme. Ensemble, ils introduisent dans la production les influences de l’Art nouveau continental et de la Sécession viennoise, donnant naissance à une ligne audacieuse et résolument moderniste.

Le modèle que nous présentons, à décor de feuillages stylisés, se distingue par ses couleurs vertes, rouges et blanches, mises en valeur par un décor en tube-lining (ou pâte sur pâte en relief), technique emblématique de la série. Ce motif est attesté dans les premières années de la production Secessionist : un modèle au décor similaire — mais de forme différente — figure d’ailleurs dans le catalogue Secessionist de 1902, témoignant de la diversité des variantes proposées par Minton autour d’un même thème décoratif.

 

 

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Sujet Poisson par Pablo Picasso

Sujet Poisson par Pablo Picasso

Sujet Poisson par Pablo Picasso, pichet tourné en terre de faïence rouge, décor aux engobes, tiré à 500 exemplaires. Inscrit "Edition Picasso Madoura" et tampons "Edition Picasso" et "Madoura" sous la base, restautation au bec.

Après la Seconde Guerre Mondiale, Picasso s'intéresse de plus en plus à la sculpture et à la céramique et à partir de 1946 il collabore avec l'atelier Madoura qui devient l'éditeur exclusif de son oeuvre céramique.
Picasso laisse un important ensemble de créations, où la poésie et le génie expressif de l'artiste se conjuguent, comme dans ce sujet poisson que nous présentons. Sublime rapport entre l'utilitaire, le pichet, et le sujet, le poisson et tension entre contenant et contenu. Picasso choisit la terre rouge et un décor noir, allusion évidente à l'art de la céramique antique, particulièrement grecque. La forme épurée illustre sa recherche constante de dépouillement et de vérité formelle ; ce qu'il résumait par cette phrase célèbre : "Il m'a fallu toute une vie pour dessiner comme un enfant".
Ce minimalisme "picassien", à la fois archaïque et poétique, trouve dans la céramique un terrain d’expression privilégié.
Dans ce pichet-poisson, Picasso transcende l’objet utilitaire pour en faire une icône à la croisée des arts décoratifs et des beaux-arts.

 

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Le joueur de flûte par Nicolas Eekman

Le joueur de flûte par Nicolas Eekman

Le joueur de flûte, gravure par Nicolas Eekman, numéroté 12/50 et signé Eekman au crayon de papier.

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Buste de jeune créole par Albert-César Cappabianca

Buste de jeune créole par Albert-César Cappabianca

Buste de jeune créole par Albert-César Cappabianca, épreuve en bronze à patine brun-roux, signé A.Cappabianca et cachet de fondeur J. Panini

Albert-César Cappabianca est né en Italie en 1881 et s'installe à Paris en 1912. Dès 1913, il gagne la région chartraise où il décède en 1962. Très lié à sa région d'adoption, il exécute le Monument aux Morts de Lèves en 1922. S'inscrivant dans la lignée de sculpteurs figuratifs tels que Despiau, Bourdelle ou Landowski, il a une sensibilité plus intimiste et un goût pour la simplicité expressive.
Le buste de jeune créole que nous présentons est caractéristique du goût pour "l'exotisme" qui marque les années de l'entre-deux-guerres ; cependant, l'oeuvre est loin des clichés de l'imagerie coloniale et présente un modèle plein de douceur, empreint d'une présence calme et fière. Cappabianca ne recherche pas le pittoresque mais privilégie la pureté des lignes. L'oeuvre traduit une admiration sincère pour son modèle, plutôt qu'une curiosité ethnographique.
La surface, polie avec minutie, capte la lumière et confère à l’ensemble une sérénité et une présence presque spirituelle.

 

 

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Joséphine Baker par Paul Colin

Joséphine Baker par Paul Colin

Joséphine Baker, dessin au fusain par Paul Colin

Paul Colin est né à Nancy en 1892. Il baigne dans l'effervescence artistique de sa ville natale et se forme auprès d'Eugène Vallin et Victor Prouvé, deux des plus importants représentants de l'Ecole de Nancy.
Après la Première Guerre Mondiale, André Daven, directeur adjoint du Théâtre des Champs-Elysées, le nomme affichiste pour le cabaret. Sa carrière décolle véritablement lorsqu'il créée l'affiche pour La Revue Nègre en 1925, qui lance aussi la carrière de la jeune Joséphine Baker en Europe. L'artiste et la danseuse vivent une idylle qui se transforme en une amitié durable.
Paul Colin réalise ensuite de très nombreuses affiches pour le monde du spectacle, mais prend aussi position politiquement, notamment pendant l'Occupation ou pendant la Guerre d'Espagne.
Son oeuvre est indissociable de l'effervescence créatrice de l'entre-deux-guerres.
Joséphine Baker, est née en 1906 à Saint-Louis, Missouri. Issue d'une famille pauvre, elle rejoint très jeune des troupes de théâtre et rejoint New York où elle se fait remarquer par la femme d'un diplomate américain à Paris. 1925 est l'année de sa révélation au public français où elle interprète ses fameux pas de Charleston. S'ensuit une carrière prolifique l'amenant en tournée dans toute l'Europe. Actrice du mouvement de la Renaissance de Harlem, elle est une figure de proue de l'émancipation des afro-américains.

Le dessin que nous présentons montre Joséphine Baker de profil, avec sa coiffure caractéristique et le torse nu. En quelques traits d'une grande maîtrise, Paul Colin capte toute la sensualité, la douceur et la fierté de son amie. Ce portrait, à la fois simple et magnétique, condense toute l'admiration de l'artiste pour sa muse.

Dimensions du cadre : 23x28.8cm

 

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